оздних -- пластический.
     Возьмем для примера развитие  греческой скульптуры,  оно  явно  идет от
скульптурных принципов к пластическим, архаическая статуя неподвижна, строго
фронтальна, замкнута  в сплошных плоскостях,  рассчитана  на  рассмотрение с
одной точки зрения  --  в  ее основе лежит скульптурный,  высекающий  стиль.
Напротив, статуи  Лисиппа, в  основе  которых  лежит  принцип  пластики, или
лепки,  полны динамики, развертываются изнутри наружу ("Апоксиомен"), как бы
врываются в окружающее их пространство, рассчитаны на обход, на рассмотрение
с  разных  точек  зрения.  Своеобразное  сочетание  принципов  скульптуры  и
пластики представляет  собой  китайская  техника  "каншитсу":  пустой внутри
деревянный  остов  обкладывают  бумагой или грубой  тканью,  поверх  которой
кладут ряд  слоев лака,  в  которых  и  производится моделировка поверхности
статуи -- таким образом,  и в материале и в технике его обработки  мы  видим
сочетание принципов скульптуры и пластики.
     Однако  вернемся  к глиняной модели. Часто  скульптор не ограничивается
одной моделью,  а делает их  несколько.  Маленькие  модели  дают самое общее
представление о пластическом мотиве,  который занимает скульптора  (сравним,
например,  глиняные  модели Микеланджело для "Давида"  в  Каза Буонарроти во
Флоренции).  Наряду  с   этими   "пластическими  эскизами"  скульптор  часто
изготовляет большую  вспомогательную  модель, в которой более точно намечает
формы  будущей статуи  (во Флорентийской Академии  хранится  большая  модель
Микеланджело  для одной из  статуй капеллы Медичи:  деревянный остов  покрыт
паклей,  поверх положена  глина,  моделирующая  формы статуи). Для  создания
большой  глиняной  или  восковой модели необходим остов, своего рода  скелет
(так называемый каркас), так как без него  глина оседает. Каркас делается из
проволоки  и деревянных дощечек, распределяя основные  линии позиции будущей
статуи.
     Глину  применяют  не только  как  вспомогательное  средство,  но и  как
самостоятельный пластический материал.  Но  в этом случае глина должна  быть
обожжена  до затвердения  (скульптура из  обожженной  глины  носит  название
терракоты). Стенки статуэтки, предназначенной  для обжига, должны быть очень
тонкими, так как сырость, содержащаяся в глине, при  обжиге обращается в пар
и может  вызвать  трещины. При лепке  глиняной статуэтки надо учитывать, что
глина  при  обжиге  сжимается,  поэтому  статуэтку  надо  делать  больше  по
размерам, чем она была задумана в окончательном виде.
     Для  глиняных  статуэток  характерны  обобщенные замкнутые  формы,  что
вызывается   отчасти   техническими   причинами:   трудно  обжигать   далеко
выступающие  части.  Блестящими  примерами терракотовой скульптуры  являются
древнегреческие  терракоты,  особенно  те  раскрашенные  жанровые статуэтки,
которые были найдены в могилах близ Танагры. В эпоху Возрождения, особенно в
Северной Италии, изготовлялись большие терракотовые статуи, часто даже целые
группы,  в  резко экспрессивном  стиле,  обычно пестро раскрашенные (Никколо
дель Арка, Гвидо Маццони и другие).
     Дефект чистой терракоты -- она пропускает воду -- стремились преодолеть
с давних  пор с помощью прозрачной глазури, обычно с примесью окиси металла.
Древнейшие образцы глазурованной терракоты находят уже в Месопотамии. Первый
расцвет  она  переживает в Персии. Через посредство арабов техника свинцовой
глазури, так называемой  мавританской, проникает  в Испанию (по-видимому, от
принадлежавшего  Испании  острова  Майорка  эта  техника  получила  название
"майолика").  Из Испании технику майолики завозят в  Италию.  В  целом  ряде
городов Средней Италии  возникают мастерские, изготовляющие расписные сосуды
(главным  образом  блюда)  с  фигурными  композициями,  отражающими  влияние
классического  искусства. От одного из главных центров  этого  производства,
города Фаэнца, техника глазурованных сосудов получила название "фаянс".
     Технику расписной, глазурованной терракоты в  монументальную скульптуру
первый вводит, правда еще  эпизодически, Лоренцо  Гиберти,  а  с середины XV
века  ее начинает систематически  культивировать  Лука  делла  Роббиа, глава
целой семьи  мастеров глазурованной терракоты. Мастерская Луки  делла Роббиа
изготовляла главным образом рельефы (чаще всего с белыми фигурами на голубом
фоне)  круглой  (так  называемой  тондо)  или  полукруглой (так  называемого
люнета) формы. Майолика  мастерской  делла  Роббиа отличалась исключительной
прозрачностью, была непроницаема для дождя, и поэтому ее часто применяли для
украшения наружных стен.
     В XVIII веке майолика теряет популярность,  и  ее место занижает фарфор
-- материал  более гибкий,  содействующий  более  утонченной  технике. Тайну
изготовления  фарфора впервые открыли китайцы  (вероятно, уже в VII веке). С
XVI  века,  когда  образцы  китайского фарфора попадают в Европу, начинаются
непрерывные  попытки овладеть  техникой фарфора или  хотя бы  приблизиться к
применяемым им  приемам и  формам (медичейский фарфор, дельфтский фаянс и т.
п.).
     Только в самом начале XVIII  века Бетгер, сначала в Дрездене, а позднее
в  Мейсене создает настоящую фарфоровую  массу (несколько более  крепкую  по
сравнению  с китайской).  Фарфоровая масса Бетгера состоит из смеси каолина,
полевого шпата и кварца. Обжигаемая  при высокой температуре, эта смесь дает
твердую  белую  массу.  Эта  масса  может  подвергаться  окраске  различными
способами:  или  красят  саму  массу, или ее покрывают цветной глазурью, или
раскрашивают под глазурью  либо над  глазурью. При  быстром остывании  после
обжига  образуется тонкая  сеть  трещин, которую  намеренно  используют  для
создания особой мерцающей поверхности (подобного рода техника носит название
"кракле"). Это сочетание твердости и хрупкости, сверкающей белизны и пестрой
раскраски,  присущее  фарфору,  ставило  перед  художниками  ряд  сложных  и
своеобразных проблем.  Наиболее  крупные  из  мастеров европейского  фарфора
XVIII  века  --  Кендлер  и особенно Бустелли -- достигают в своих небольших
статуэтках и группах яркой выразительности и тонкого декоративного ритма.
     Такой же популярностью, как фарфор  в эпоху рококо, в эпоху классицизма
пользовалась так называемая каменная масса, отличающаяся от  фарфора большей
мягкостью,  непрозрачностью и желтоватым  тоном. Особенный расцвет  каменная
масса  пережила  во  второй  половине  XVIII  века в Англии, где  мастерская
Веджвуда  прославилась   сосудами  синего,  фиолетового  и  черного   тонов,
украшенными белыми  фигурными рельефами, напоминающими стиль античных камей.
Фарфор Веджвуда противопоставляет изысканности и игривости немецкого мейсена
и французского севра простоту форм и  сдержанное созвучие декорации с формой
сосуда.  Новым в  изделиях Веджвуда  было и  то,  что  производство  товаров
широкого  потребления  отличалось  такой же тщательностью  работы и  изящной
простотой стиля.
     Наряду с глиной как материал лепки для отлива в бронзе,  а также  и для
самостоятельных работ применялся также воск.
     Глина  и воск очень непрочны,  при высыхании  трескаются, поэтому с них
обычно делали точные копии  в  гипсе. Но гипс  применялся в скульптуре и для
других  целей.  Так,  например,  гипсовые  отливы  с  живой  модели  служили
скульптору материалом при изучении натуры. Такие гипсовые отливы найдены уже
в  египетских   мастерских  (особенно   блестящие   в   мастерской  Тутмеса,
работавшего  при  дворе фараона-еретика  Аменхотепа  IV в  Тель-эль-Амарне).
Такими  же  гипсовыми  отливами  с натуры пользовались  греческие скульпторы
Лисипп и мастера его круга, а также скульпторы эпохи Возрождения.
     В эпоху Возрождения впервые  начинают делать гипсовые отливы  со статуй
(главным образом античных), предназначенные, с одной стороны,  для  обучения
молодых  художников, а с другой  --  для собраний коллекционеров.  Начиная с
XVII века, рисование с гипсовых отливов приобретает прочное место в  системе
академического  обучения  художника.  В XIX  веке гипсовые отливы  выполняли
важную  роль  в работе археологов и в комплектовании специальных музеев, где
на слепках демонстрируется история мировой скульптуры ("Трокадеро" в Париже,
Государственный  музей  изобразительных  искусств  имени  А.  С.  Пушкина  в
Москве).
     Не следует смешивать гипс с так называемым стуком  -- соединением гипса
с  мраморной  крошкой (замешанным на  клее и  извести), представляющим собой
материал, который  широко применялся для самостоятельных декоративных работ.
По-видимому,  стук  ведет  свое  происхождение с Востока -- мы  знаем, какое
богатое  применение этот материал нашел у парфян  и в декоративном искусстве
Средней  Азии   (под  названием  "ганч");  но  его   широко  использовали  в
декоративных  целях  и в эпоху  эллинизма, и  в римском искусстве (блестящим
образцом применения  стука  являются потолочные украшения  виллы Фарнезины в
Риме, поражающие  своей  воздушностью).  Стук  накладывают в  мягком  виде и
моделируют  шпахтелем, пока не затвердеет;  но  так  как  твердеет он  очень
быстро,  то  художник должен  обладать быстрой  и  верной  рукой. Наибольшую
популярность стук приобретает в эпоху барокко  и рококо для украшения стен и
потолков, вместе с тем все более превращаясь в ремесленное производство.
     * *
     *
     Переходим к твердым материалам скульптуры. Дерево -- один из древнейших
и  притом  народных  материалов,  долго сохранявших  традиции  крестьянского
ремесла. Деревом  как скульптурным  материалом мастерски умели  пользоваться
уже в Древнем Египте (вспомним шедевр скульптуры Древнего царства  -- статую
так  называемого "Деревенского старосты" в  Лувре). В  Греции  дерево  было,
по-видимому, древнейшим материалом монументальной скульптуры: так называемые
ксоаны  -- бесформенные идолы в виде столбов или досок  с  нанесенным на них
примитивным рисунком  человеческой  фигуры  --  были,  согласно  источникам,
древнейшими памятниками монументальной скульптуры. Понемногу камень начинает
вытеснять дерево, но архаические каменные статуи долго сохраняют следы форм,
вызванных инструментами резьбы из  дерева -- ножом и пилой ("Гера" с острова
Самос,  в  Лувре, круглая,  как  столб,  с  вертикальными  складками одежды,
подобными каннелюрам колонны, "Артемида" с острова Делос, в Афинах, плоская,
как доска).
     Возрождение  дерева как  скульптурного  материала  происходит в средние
века,  начиная  уже  с древнехристианского  периода (деревянные двери церкви
Сайта Сабина в Риме, V век). В Северной Европе в средние  века, да и в эпоху
Возрождения, дерево широко применялось  для украшения алтарей, для распятий,
для церковной утвари.  Обычно дерево  грунтовали, иногда  покрывали холстом,
окрашивали  и  золотили  (выдающийся немецкий  скульптор конца  XV -- первой
трети XVI века Тильман Рименпшейдер одним из  первых стал применять  дерево,
так сказать, в чистом виде).
     В скульптуре  итальянского  Возрождения  дерево  постепенно вытесняется
мрамором  и бронзой. Но  в  эпоху барокко,  особенно позднего и  особенно  в
странах  с  крепкими  традициями  крестьянского  ремесла (Бавария,  Австрия,
Польша, Прибалтика и т. п.), дерево переживает новое блестящее возрождение в
декоративных  ансамблях  церковного убранства. Эпоха  классицизма,  когда  в
скульптуре господствуют белый мрамор и рельефный принцип, неблагоприятна для
дерева как скульптурного материала. В  течение всего  XIX  века  дерево было
изгнано   из  мастерских   скульпторов.   Напротив,   в   XX   веке   с  его
революционно-демократическими тенденциями и с поисками новой,  эмоциональной
выразительности   дерево   переживает  новое,   яркое  возрождение  (Барлах,
Коненков). Для  монументальной  скульптуры  употребляются  и  мягкие  (липа,
тополь),  и  твердые породы деревьев  (дуб);  для  мелкой скульптуры  --  по
преимуществу прочный бук. Дерево  обрабатывают ножами и резцами (для складок
используют вогнутый резец)  с помощью молотка. В эпоху готики  применяли так
называемую  козью  ножку  (особый  вид   резца).  Исходным   материалом  для
скульптора  является  деревянный  чурбан.   Иногда  ему  придают  правильную
четырехгранную форму, на  передней плоскости которой художник рисует контуры
изображения. Затем различными ножами и резцами вырубаются основные плоскости
будущей  скульптуры. После этого  скульптура  разнимается  на  две  части  и
выдалбливается внутри, чтобы дерево  высохло и не  трескалось. Только  после
этого заканчиваются все детали скульптуры и ее две части вновь скрепляются.
     Каковы специфические  особенности дерева  как  пластического материала?
Дерево -- более гибкий материал, чем камень: оно допускает большую свободу в
обработке форм, большее богатство деталей, но меньше нюансов и  переходов; в
дереве возможны  более резкие выступы, ответвления  формы  и более  глубокие
вырезы (недоступные художнику в камне). В дереве возможны  острые, угловатые
грани, но и закругленные выемки, длинные и короткие линии, резкие  контрасты
и мягкое волнение поверхности (взрыхленную рашпилем, морщинистую поверхность
можно комбинировать с гладко отшлифованной).
     Обобщая  стилистические  особенности  дерева  как материала скульптора,
можно было бы  сказать, что дереву  свойственны несколько нескладная масса и
вместе с тем исключительно богатая, динамическая, выразительная "текстура" и
поверхность, контраст  между  сырой, косной материей  и органической  силой.
Дефект  дерева  заключается  в  том, что  его  нельзя  обрабатывать во  всех
направлениях   --  нож  должен  идти  или  по  волокнам,  или  в  поперечном
направлении, но  нельзя рубить или резать против дерева. Наконец, необходимо
отметить   чрезвычайное   разнообразие   масштабов,   доступных   деревянной
скульптуре, -- от  монументальных, многофигурных  ансамблей (готические  или
барочные алтари, кафедры и т. п.) вплоть до миниатюрных вещиц.
     Китайцы  и  особенно  японцы  --  исключительные  мастера  пластической
миниатюры.   Азиатские   народы   обладают  особой   остротой   слухового  и
осязательного  восприятия;  богатство  звуковых  оттенков свойственно  языку
многих  азиатских  народов,   точно  так  же  как  их   пластика  отличается
неисчерпаемой  игрой  пластических, осязательных комбинаций.  Самый  процесс
осязания доставляет японцу своеобразное удовольствие  -- японский крестьянин
носит у пояса деревянные вещички или просто куски драгоценного дерева, чтобы
прикасаться  к  ним  и  ощущать  гладкую  или шероховатую,  сухую или  сырую
поверхность.  Этими  же   предпосылками  продиктовано  тяготение  японцев  к
миниатюрной пластике,  которую  можно  брать  в  руки,  прикасаться  к  ней,
поворачивать, ощупывать все ее пластические оттенки.
     Наиболее ярким  проявлением  этой  тенденции  являются мелкие  японские
статуэтки из  дерева или слоновой  кости, так называемые нэцкэ. Размером они
часто  не  более  пуговицы, их носят  вместо передвижных  пряжек, к  которым
особыми  шнурками  прикреплены у пояса маленькие коробочки для  лекарств или
табака. Нэцкэ отличаются удивительной законченностью и, хотелось бы сказать,
замкнутостью  формы  в  сочетании  с  чрезвычайным  богатством  пластической
экспрессии.  Трудно представить себе более глубокое  и органическое созвучие
бытовых потребностей и пластической импровизации.
     В   заключение   следует   отметить   еще  одно   свойство  дерева  как
скульптурного   материала,   обладающего   многообразнейшими  возможностями.
Дорогие  породы дерева, в особенности  если они подвергались  тонкой работе,
могут оставаться  неокрашенными -- они воздействуют своей структурой, ритмом
своих волокон, своим тоном, игрой своей поверхности.  Вместе с тем дерево --
самый  подходящий материал  для  красочной скульптуры.  Раскраску деревянных
статуй применяли уже египтяне, она находит широкое применение в средние века
и в эпоху барокко.
     Сначала  дерево  грунтуют  (мелом, медом, клеем)  или обклеивают грубым
холстом,  пропитанным  меловым  раствором; на этот грунт наносятся  краски и
позолота.  Если  в  средневековом искусстве расцветка деревянной  скульптуры
носит  несколько условный  характер  возвышенной  праздничности,  то в более
поздние эпохи, в XVII и XVIII веках, особенно в Испании и Латинской Америке,
она приобретает натуралистический оттенок в сочетании  с настоящими тканями,
в которые одеты статуи, с  украшающими их подлинными кружевами, капающими из
глаз слезами из кристалла и тому подобными иллюзорными приемами.
     * *
     *
     Известное сходство с деревом и по технике, и по стилистическим эффектам
имеет  другой  крепкий  материал скульптуры  --  слоновая кость.  Это  очень
древний материал, который использовался  еще в эпоху  раннего каменного века
(в  форме  как  статуэток, так  и  процарапанных  рисунков). Эпохи  расцвета
слоновой  кости  как  скульптурного материала отчасти совпадают  с расцветом
дерева, но лишь отчасти; можно было бы, пожалуй, сказать, что слоновая кость
-- это любимый материал феодального общества.
     В  преобладающем  большинстве  случаев  слоновая кость применялась  для
мелкой  скульптуры.  Но были и  исключения, к  которым принадлежит греческая
техника классического  периода,  так называемая  хризоэлефантинная,  то есть
сочетание  золота   и  слоновой  кости.   В  этой   технике  были  выполнены
колоссальные  статуи  Фидия (Зевса  в  Олимпии  и  Афины на  Парфеноне):  на
деревянный  остов  накладывались золотые пластинки для изображения  одежды и
пластинки из слоновой  кости для  изображения обнаженного  тела. Но так  как
слоновая  кость дает материал для скульптурных работ  в небольших кусках, то
естественно, что ее чаще всего применяют  в  мелкой пластике. Первый расцвет
скульптуры из слоновой кости  относится к средним векам,  особенно к раннему
периоду (искусство Византии, искусство Западной Европы в эпоху  Каролингов),
когда  из слоновой  кости изготовлялись всякого рода рельефы, так называемые
диптихи  (двухстворчатые  пластинки,  украшенные  рельефами  и   посвященные
прославлению какого-нибудь консула), переплеты для книг, ящики для  хранения
реликвий и т. п.
     Новый подъем резьбы из слоновой кости начинается  в XIII веке, особенно
во  Франции -- в этом материале выполняются статуэтки  и скульптурные группы
из  Священной истории, а также всякого рода предметы аристократического быта
(гребни,  зеркала, сосуды,  шахматные  фигуры  и  т.  п.), часто  украшенные
позолотой и раскрашенные. Напротив, итальянские скульпторы эпохи Ренессанса,
излюбленным  материалом которых была бронза, мало ценили слоновую кость  как
пластический  материал.  Новый  расцвет слоновой  кости  наступает  в  эпоху
барокко, когда в этом  материале работает ряд крупных мастеров  (например, в
Германии  Пермозер)  и  когда  для  слоновой  кости открывается  новое  поле
приложения сил -- портретная миниатюра. В XIX веке слоновая кость становится
индустриальным материалом и все более теряет свое художественное значение.
     В заключение напомним,  что  слоновую кость  различают  по тону: белую,
желтоватую и красноватую -- и по происхождению: азиатскую или африканскую.
     * *
     *
     Переходим к  наиболее  типичному и  излюбленному материалу ваятелей  --
камню, который представляет собой, несомненно, самый разнообразный  материал
скульптуры: камень может быть цветным  и бесцветным, прозрачным, блестящим и
тусклым, жестким и  мягким и т. д. Вместе с тем все  породы камня объединяет
общая стилистическая  концепция, более  или менее  общие технические приемы,
которые  восходят  к  понятию скульптуры  --  то  есть высекания,  отнимания
материала.  И в то  же время у каждой  породы  камня  есть  свои требования,
воздействующие на фантазию и технику скульптора.
     Крепкие,  труднообрабатываемые  материалы  (обсидиан, диорит,  базальт,
порфир -- материалы, которые особенно охотно примен